Pepe
Gutiérrez-Álvarez | En los últimos tiempos, la
recuperación de Pier Paolo Pasolini (Bolonia, 1922-Ostia, 1975), se
está haciendo un hecho irreversible. Obviamente, esto sucede por la variedad y
excelencia de su obra, por su extenso significado, así como por el empeño de sus
estudiosos, que no son pocos por estos atrasados pagos, sin olvidar la
creciente presencia de unas nuevas generaciones cinéfilas ahora obligadas a
recuperar con la voluntad y la pasión lo que antes nos venía dado
comercialmente y desde los cines de proximidad. De aquellos tiempos en los que en la esquina te ofrecían un western inolvidable y una película italiana, por ejemplo, Vita dificile (Dino Risi, 1961), que concluye cuando el empleado lanza al empresario a la piscina con una sonada bofetada. Para la mayoría “que ha oído hablar de él”, están las circunstancias particularmente sórdidas que rodearon su muerte: fue asesinado por un delincuente en un descampado de la periferia romana, una tragedia que “suena” a encargo en la Italia de Andreotti; la noche antes de morir dio una entrevista, a Stampa Sera, en la que evocaba duramente el peligro del fascismo; anteriormente había maldecido a Berlusconi y sus televisiones.
Un acto final que confiere al crimen un toque trágico a la aureola de poeta maldito que dejó huella en su obra, tanto literaria como cinematográfica. Dejó tras de sí una aureola de mártir, perceptible en las imprecaciones líricas de un título tan evocatorio como Le ceneri di Gramsci (poesía, 1957), como en el canto homosexual de Teorema (novela y película, 1968) que dejó estupefacta a una generación, en las traducciones libres de Esquilo o de Plauto (teatro) y en sus escritos "corsarios", en los vagabundeos más ligeros en apariencia de Uccellacci e Uccellini o del Decameron, y en la fúnebre apoteosis de Salo.
En todas ellas se escucha el mismo lamento,
más o menos ahogado, más o menos cubierto por simulacros narrativos: "Soy... como una serpiente reducida a
un baño de sangre... como un gato que no quiere morir", un grito cuyo
eco se identifica en última instancia con el sufrimiento de Cristo, ligado al
complementario de Judas Iscariote, tal y como lo describió él mismo en su
versión tan personal de El Evangelio según San Mateo(1964), insertada como
un puñetazo en la época de su estreno en estos andurriales en los que se
trataba de “arrebatar” el evangelio de las manos de los jerarcas de una Iglesia
sin escrúpulos. Después de dedicar su Evangelio a
la memoria de Juan XXIII, escandaliza a una fracción de la opinión católica
con Teorema y entusiasma a
otra hasta el punto de conseguir por esa película el premio de la OCIC; la
representación de los grandes textos clásicos no le impide mezclar ampliamente
pornografía, erotismo y escatología, ni hacer llamar a María Callas... ¡para un
papel casi mudo! En una recopilación de textos teóricos, Pasolini
exalta "la naturaleza profundamente artística del cine, su fuerza
expresiva, su capacidad de dar cuerpo al sueño; es decir, su carácter
esencialmente metafórico".
Encuentro tardío con el cine
Pasolini era hijo de una familia
representativa de la unidad italiana, campesinos convertidos en pequeños
burgueses, su madre fue el rostro de una ya anciana María en El
Evangelio…; su padre fue un soldado que se hizo famoso por salvar la vida
de Benito Mussolini cuando el joven anarquista Anteo Zamboni atentó contra su
vida, gesta que le valió la muerte y más tarde, una calle dedicada. Paolo
empezó a escribir poemas a los siete años de edad y publicó por primera vez a
los 19, mientras se encontraba estudiando en la Universidad de Bolonia; fue
reclutado durante la Segunda Guerra Mundial y posteriormente, capturado por los
alemanes, pero logró escapar. Al finalizar la guerra, se unió al Partido
Comunista Italiano (PCI) en Ferrara, pero fue expulsado dos años después según
se expresa en el periódico L’Unità el
26 de octubre de 1949
En su copiosa obra literaria destacan los
ensayos Sobre la poesía
dialectal (1947), La poesía
popular italiana (1960) y Escritos
corsarios (1975); las antologías Poesía dialectal del siglo XX (1955) y Antología de la poesía popular (1955).
Por otro lado, son fundamentales sus obras poéticas: La mejor juventud (1954), Las
cenizas de Gramsci (1957), La
religión de mi tiempo (1961) y Poesía en forma de rosa (1961–1964).
Asimismo destacan sus novelas Muchachos
de la calle (1955), Una
vida violenta (1959) y Mujeres
de Roma (1960), y los dramas Orgía (1969)
y Calderón (1973). Su obra
poética, igual que su obra ensayística y periodística, polemiza con el marxismo
dogmático oficial y el catolicismo, a los que llamaba «las dos
iglesias» y les reprochaba no entender la cultura de sus propias bases
proletarias y campesinas. Juzgaba asimismo que el sistema cultural dominante,
sobre todo a través de la televisión, creaba un modelo unificador que destruía
las culturas más ingenuas y valiosas de las tradiciones populares.
Antes de ponerse detrás de la cámara, Pasolini
había colaborado en diversas películas, como guionista, coguionista o actor,
entre las que reseñamos: La chica
del río (Mario Soldati, 1955), Las noches de Cabiria (Fellini, aunque no aparece en los títulos de
crédito, 1957); sus colaboraciones con Mauro Bolognini en Marisa la civetta, 1957, Maridos jóvenes (1958), La notte brava (1959), El bello Antonio (1960) (toda una
revelación, lo mejor del irregular Bolognini y lo más rompedor del cine
italiano del momento), La giornata
balorda, id.; La viaccía (1961)
con su trasfondo de lucha libertaria; La
commare seca (Bernardo Bertolucci, 1962); Requiescant (Carlo Lizzani, 1967); Ostia (id., Sergio Citti, 1970); Cuentos de Pasolini (idem,
1973)…Todo una parte digna de revisar y de estudiar.
Había debutado con Accattone (1961), una fábula neorrealista que había
heredado las influencias de De Sica y de Zavattini, seguida de un melodrama
freudiano, Mamma Roma (1962), con
acentos típicos de Buñuel –esas canciones de Joselito– con una Anna Magnani
enorme. Desde entonces, el cine se va a convertir para él, según sus propias
palabras, en "el lenguaje
escrito de la realidad", un medio que le permite ir tras los vestigios
de los grandes mitos universales, a través de sus fantasmas personales,
todo condensado, "sincretizado" en un contexto de lugares comunes,
reconocibles por el público. Todas sus películas tendrán una doble cara. Son
simultáneamente simples y complejas, ridículas y sublimes, empapadas de
realidad y abiertas a la abstracción, elaboradas con un material rudo que
protege la nobleza de sus intenciones.
Las más sugestivas no son posiblemente las que
triunfaron, sino aquellas que murieron en el camino, por falta de cohesión
externa, de contrapunto naturalista o, más simplemente, porque no se consiguió
una feliz conjunción de todos los niveles de la realización: es el caso
de Comizi d’amore (1965) o
de Appunti per un Orestiade africana (1975),
reflexiones sobre el cine más que películas, obras abiertas que nos llegaron en
la filmoteca de TV2 en aquellas sesiones de madrugada que acabaron con el
primer gobierno Aznar La inspiración es
decididamente compuesta, en el sentido arquitectónico del término:
alternancia de músicas profanas y sagradas en El Evangelio según San Mateo que revolucionó –literalmente– la
cristología fílmica (después los Cristos de Hollywood sonaron a cartón piedra);
los relatos entrecortados de Pocilga,
mezcla de tiempos y de espacios; en Edipo, el hijo de la fortuna y Medea, “tragedias griegas” cuya proximidad y alcance épico
revolucionan el género del “peplum” y que llegan a un público de “chabolas” que
se ha hecho a la antigüedad del ”cine de romanos”. En 1963 fue condenado a 4
meses de cárcel por sus posiciones anticlericales en el film Ro.Go.Pa.G (=Rossellini,
Godard, Pasolini, Gregoretti).
Teorema, estrenada en 1968, supuso la consagración internacional de Pasolini,
dotándole de un prestigio que incluso atrapó al público mayoritario. En ésta, sobresalen
los trabajos de Terence Stamp y Laura Betti, enmarcados ambos en una atmósfera
sórdido-sensual, que levantaron no pocas ampollas en su tiempo; Pocilga (969), fue una de sus obras
más crudas y realistas, de enorme polémica en su momento, considerada
degradante, provocadora y obscena, lo que no evitó bastante éxito en los cines
europeos…Los convulsos años setenta se inician con la llamada Trilogía de la vida (integrada
por El Decamerón, 1971; Los cuentos de Canterbury,1972; y Las mil y una noches, 1974). Pasaron por
los festivales de cine de Cannes, Berlín o Venecia con éxito crítico-comercial
y definieron la deriva del último Pasolini hacia propuestas más libres y menos
narcisistas (pese a que esta trilogía enseña prácticamente lo contrario de cara
al espectador). En 1971 aparece un curioso film con el título de Los cuentos de Pasolini, dirigido por
Sergio Citti y Ninetto Davoli, su otro actor fetiche, prolongaciones suyas. La
carrera del cineasta se trunca cuando, en 1975, se estrena Salò o los 120 días de Sodoma, en la que
Pier Paolo adopta un tono autocrítico hacia algunos pasajes de su obra anterior
y en la que adapta al Marqués de Sade con toda crudeza y con la mayor libertad
con la que un creador se haya dotado a sí mismo nunca, desdibujando los límites
convencionales y cinematográficos que encierran erotismo, pornografía,
expresión, sadismo, provocación y degradación humanas.
Marginal
Se puede considerar a Pasolini como un
auténtico marginal, siempre en la línea de fuego de las transgresiones lingüísticas
y estéticas. Su itinerario de poeta y de cineasta tiene algo de desesperado y
de suicida, sin excluir una poderosa nostalgia hacia los códigos tradicionales
(Rossellini, Bergman...), que le aleja de Godard, por ejemplo. Ha dado vida a
una serie de obras disparatadas, llenas de asperezas y de matices,
irrecuperables y a menudo fascinantes. Uno de sus exegetas (Marc Gennais)
describe el proyecto pasoliniano como "desgarrado, contradictorio,
marcado por una especie de histeria apocalíptica, pero que, mediante el arte,
busca sin cesar el lugar y el momento de la reconciliación". Esta visión
"épico-religiosa" del mundo tiene, fundamentalmente, valor de
exorcismo.
Vuelve a sorprender con la fábula Pajaritos y pajarracos (1966), una
de sus mejores obras. Parábola política y humanística sobre la “coexistencia
pacífica”, inmortalizó al entrañable actor cómico Totó en una inolvidable
creación, y es un film donde la música se hace protagonista de un modo
único. Edipo Rey (1967) fue
la primera cinta con guión ajeno, la famosa obra teatral de Sófocles, llevada
al cine ese mismo año en una versión inglesa de menor repercusión comercial que
ésta, que contaba entre su reparto con la maravillosa Silvana Mangano, a la que
acompañó uno los actores favoritos del director, Laurent Terzieff igualmente
presente en Medea. Coincide nuevamente con Totó y Silvana en un
delicioso episodio de Las brujas…
Una prodigiosa diversidad de aptitudes explica
sin duda ese hermoso sincretismo, esos juegos malabares ejecutados siempre con
una gran elegancia y una temeridad que deja sin argumentos a sus detractores.
El todo no siempre está exento de torpeza, precio que tiene que pagar por una
singular combinación de amateurismo y manierismo: esos descampados y esas dunas
interminables, los vestuarios barrocos y las alocadas jovencitas rubias, los
grotescos personajes de segunda fila, los encantos femeninos burdamente
mostrados, eso es lo que no siempre convence, y que no acaba de satisfacer a
los partidarios de un arte de generosidad y de armonía, al que sin embargo él
nunca dejó de aspirar. Pasolini queda y quedará como un meteoro del cine
contemporáneo, verdadero "bloque compacto caído aquí abajo por un desastre
oscuro".
Alguien sobre el que hay que volver a hablar,
ver y revisar sus películas, leer sus obras o los diversos trabajos de
acercamiento que ido creando una bibliografía añadida en torno suyo, al igual
que se ha desarrollado una filmografía complementaria en la que conviene tener
en cuenta el trabajo de nuestro Xavier Juncosa, Pasolini, Un viaggio in Italia (1998), en el que plantea tres hipótesis
sobre su asesinato a través de las entrevistes efectuadas a buena parte de sus
amigos más íntimos. También resulta interesante la reciente aportación de Abel
Ferrara sobre la muerte del poeta, con Willem Dafoe como protagonista, cuyas
hipótesis son un contrapunto a las de Xavier. En definitiva, la recuperación de
Pasolini debería servir para ejercer un derecho y una necesidad: poder debatir
sobre un autor imprescindible desde cualquier rincón, o sea desde tal entidad o
biblioteca pública, como parte de una recuperación consciente y deliberada de
un instrumento privilegiado de la cultura popular: el cine
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