Datos sobre John Lennon y su música

John Lennon ✆ Andy Warhol 

(Liverpool, 1940 - Nueva York, 1980) Cantante y músico británico, fundador del mítico grupo The Beatles, un cuarteto que formó en la ciudad de Liverpool junto a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr y que se ha convertido en una referencia indiscutible de la historia de la música moderna. John Winston Lennon nació en Liverpool el 9 de octubre de 1940, mientras los aviones nazis bombardeaban la ciudad. Su padre, llamado Alfred, era un marino que visitaba poco el hogar, hasta que desapareció por completo. Luego fue su madre, Julia Stanley, la que desapareció, dejando el niño al cuidado de una hermana suya llamada Mary.

Fue ella quien enseñó a John los primeros acordes en un viejo banjo del abuelo de éste. Liverpool era entonces una ciudad portuaria que se hallaba en plena decadencia. Con una población heterogénea, la vida allí no deparaba grandes alegrías. Sin embargo, el constante trajín originado por el tráfico marítimo también tenía sus ventajas: en el equipaje de los marinos procedentes del otro lado del océano llegaban abundantes discos de country y rhythm and blues, que se incorporaban inmediatamente a la innata afición de los liverpoolianos por la música.

John creció escuchando discos de Little Richard, Chuck Berry, Ray Charles y Buddy Holly, ilustres representantes de las corrientes musicales de aquella época. Durante unos años estudió en la escuela de Bellas Artes y al cumplir los quince resolvió sus dudas entre la pintura y la música a favor de ésta última. En 1956 conoció a un muchacho que, como él, sólo se sentía plenamente realizado con una guitarra en las manos: James Paul McCartney. Con Paul formó su primer grupo amateur, The Quarrymen, dando comienzo a un período de aprendizaje acelerado de los ritmos del rock and roll.

Éxitos como solista 

Yesterday

John y Paul se dedicaron a componer sus propias canciones como si se tratara de un entretenimiento. Dos años después se les unió George Harrison y se atrevieron a actuar en algunos pequeños locales. Se denominaron sucesivamente Johnny and the Moondogs y The Nurk Twins. Fueron tiempos difíciles: la madre de John murió en 1958 atropellada por un policía borracho franco de servicio y el escaso peculio del muchacho desapareció por completo. A lo largo de 1959, John buscó trabajo infructuosamente y vivió como un parado más. Pero su vitalidad, su juventud y su amor por la música hicieron que no perdiese la esperanza.

Datos sobre el xilófono

El xilófono es un instrumento musical de percusión. Cada lámina se afina según un tono específico (nota musical) de la escala cromática. Como se puede afinar, se trata de un laminófono de sonido determinado. El orden de las láminas es similar al orden del teclado del piano. El xilófono utiliza tanto la técnica de tambor afinable como la avanzada de mazos. Tiene un timbre más vivo que la marimba, y las notas se sostienen menos. Los xilófonos modernos incluyen láminas de percusión cortas.

Un xilófono con un registro más bajo que el registro de la marimba se llama xilorimba. El recurso más utilizado para el xilófono es el trémolo, que se obtiene percutiendo alternativamente con ambas baquetas sobre una misma lámina. El xilófono requiere un gran virtuosismo por parte del percusionista. Su técnica actual es muy compleja y precisa de un gran especialista. Su papel en la actual orquesta no es el de ofrecer un toque exótico a la obra, sino que es un timbre independiente y muy importante dentro del desarrollo orquestal.

Nagoya Marimba Ensemble

 Música para xilófono 

Su evolución en la orquesta clásica, para llegar hasta el xilófono actual, es larga y azarosa. Aparece en Europa a principios del S. XV denominado percusión de madera (Arnold Schild en 1511). En 1528 se describió por parte de Martín Agrícola un instrumento formado por barritas de madera (sobre unas 25) al que denominó "Strohfiedel", y un siglo más tarde Michael Praetorius hizo lo mismo con un instrumento de 15 láminas dispuestas en hilera en forma de pirámide. Pero los hechos más importantes para descubrir el Xilófono son los grabados de Hans Hobein donde aparece, en uno de ellos un xilófono suspendido del cuello de un joven y la publicación en 1695 en Bolonia de "IL modo facile di suonare el sistro nomato il Tímpano" donde aparecen melodías populares cifradas para ser tocadas con un xilófono de 12 barras.

Gustavo Dudamel en Madrid / Una noche mágica y "roja"

Gustavo Dudamel ✆ Edo

Concha Barrigós

Más de dos horas de concierto con un "fuerte" programa, a base de Beethoven y Strauss, el público en pie, media hora de saludos y tres "bises". Ese es el balance de la noche "mágica" y "roja" que han protagonizado Gustavo Dudamel y la Bolívar esta noche en Madrid en el cierre de su gira europea. "Después de este programa no se puede hacer más nada, incluso siendo joven, pero vamos a tocar algo que les va a gustar", ha anunciado a los espectadores del Auditorio Nacional el venezolano para, a continuación, ponerse festivo con el "Danzón número 2" de Arturo Márquez, su primer bis.

Videos: Danzón N° 2
& Alma Llanera

El segundo, y ya con una violinista luciendo la camiseta de la Selección Española, ha sido el "Mambo" de Leonard Bernstein, y el tercero, con el percusionista encargado de las maracas con una chaqueta con la bandera venezolana y por encima la bandera española, "Alma llanera", de Pedro Luis Gutiérrez, coreado por el Auditorio, la orquesta y el propio director.

Y todo ello, según ha dicho Dudamel, "por la victoria" -de la Selección Española en la Eurocopa-, cuya celebración esta tarde en Madrid, a la misma hora que el concierto, ha dejado algunas butacas vacías pero no ha hecho dudar a forofos del venezolano y la Bolívar como el Nobel Mario Vargas Llosa, "encantado", decía, con el espectáculo.

Datos sobre la guajira, música cubana

Música cubana ✆ Míguez

La guajira es un género cantable, situado, como la criolla, con la que guarda semejanza, en el ámbito de la canción cubana. Se refiere en sus temas, a asuntos campesinos, de manera bucólica, idílica. Utiliza estrofas versificadas, casi siempre bajo el modelo de la décima. Se escribe en 3/4 y 6/8. Primera parte en modo menor y Segunda en modo mayor. Concluye sobre la dominante.

"En la guajira alternan los ritmos de tres por cuatro y seis por ocho. Su primera parte se escribe en modo menor, y la segunda en mayor. Concluye siempre sobre la dominante del tono en que está compuesta". (Sánchez de Fuente). Hay una modalidad también llamada guajira, pero que consiste, en fundirse con el son, en la guajira-son.  Existen además el punto e espirituano, el matancero, el punto cruzado, la seguidilla, etc. Su ritmo es más lento que el punto cubano.

Oiga las 3 guajiras seleccionadas

La guajira se considera una creación del músico cubano Jorge Ankerman (La Habana, 1877-1941). Posiblemente la guajira mundialmente más famosa es “Guantanamera”, creación del destacado pianista, compositor, director de orquesta, folklorista y profesor camagüeyano Jorge González Allúe. Bellísima melodía cubana enmarcada en cubanísimos versos que expresan la superior necesidad de la amorosa presencia de la mujer, para que el paisaje tenga su más acabada dimensión estática y el hombre alcance su plenitud humana.

Dejamos aquí tres ejemplos de guajiras, sin duda ampliamente conocidas:

El Che Guevara y el rock argentino / Cuarenta años latiendo en la juventud

Che Guevara ✆  Magalú Mariana García

Julián Lautaro

Como cantaba el payador perseguido, "alguna gente se muere para volver a nacer", y el que tenga alguna duda, que se lo pregunte al rock nacional. Muchas bandas de nuestro país han traído nuevamente a la vida al revolucionario universal nacido en Argentina. Es un proceso que comenzó hace cuatro décadas, y a medida que se desarrolla va dejando un rítmico testimonio sonoro del clima social que viene atravesando nuestro país. Arrancó tras finales de los ‘60, a principios de los ‘70, épocas convulsionadas, vientos de rebeldía soplaban sobre el mundo y sobre Argentina. Entonces la juventud vivía para cambiar la realidad. Alguna opinión autorizada señaló que "en los años fundacionales del rock argentino, mencionar a Ernesto Guevara en una canción era una idea delirante" por la "obvia coyuntura socio-político-militar." Es en ese duro contexto represivo que surgieron significativos y muchas veces olvidados renaceres. En 1972, a 5 años de que el Che se hizo eterno en La Higuera, Roque Narvaja editaba su primer trabajo solista después de la separación de la emblemática La joven Guardia. Expresando el comprometido contenido, "Octubre, mes de cambios" era el título del disco e incluía la primera evocación a Guevara. En Camilo y Ernesto (audio), el músico cordobés recordaba con varias metáforas la muerte de ambos revolucionarios, el Che y Camilo Cienfuegos, pero a la vez rescataba su sobrevida y expresaba el clima de lucha social al terminar entonando al ritmo de son cubano "que no... que no... que se fueron a la sierras...".

Ese mismo 1972, Alma y Vida abría su Volumen 2 con el clásico Hoy te queremos cantar, (audio en vivo), pensado "para un personaje paradigmático de la época en el sentido del paradigma de lo revolucionario, de la lucha" señaló años después el saxofonista de la banda Bernardo Baraj. Gran aceptación generó la canción y su estribillo "hoy te queremos cantar, nadie te puede olvidar, vos estás vivo en todos, todos, como un sol." Los seguidores del grupo se adueñaron del tema y asumieron que estaba dedicado al Che; a la banda que fue pionera del jazz-rock en el país "le pareció muy grata esa decisión del público."

Datos sobre el contrabajo

Prof. Gonzalo Venegas, al contrabajo 

Así suena el contrabajo (Acompañamiento del piano)

El contrabajo es un instrumento de cuerda frotada de tesitura grave. Suele tener 4 cuerdas. En otros instrumentos de su familia, como el violín y la viola, las cuerdas se afinan por quintas ascendentes. En el contrabajo, se afinan por cuartas: mi-la-re-sol. Es el segundo mayor y más grave de los instrumentos cordófonos. El más grave de todos es el octabajo, que da sonidos dos octavas más graves aún.

Más abajo encontrará 5 demostraciones
sobre cómo suena el contrabajo...

Por razón de su tesitura grave, hasta tiempos relativamente recientes muy pocas veces se usaba el contrabajo como solista. El primer contrabajista virtuoso fue Domenico Dragonetti; el segundo, Giovanni Bottesini. El sonido del contrabajo se produce por la vibración de las cuerdas al ser frotadas con un arco, aunque puede también producirse pulsándolas con las yemas de los dedos, al modo del bajo eléctrico o el tololoche, técnica que recibe el nombre de pizzicato o pellizco.

... y 2 videos del maestro
Giovanni Bottesini

Los orígenes del contrabajo se remontan al siglo XVI, época en la que ya existía un instrumento llamado violone del cual parece derivar. Sin embargo, hasta el siglo XIX no adoptó la forma y las características actuales, una combinación de elementos propios del violín y de la viola da gamba. También durante ese siglo se incorporó definitivamente a la orquesta, en la que desempeñaba un papel secundario: se limitaba a reforzar la parte del violonchelo. Las dificultades de la interpretación derivadas de su gran envergadura limitaron su salto a los escenarios.

Datos sobre la música de Antonio Carlos Jobim

Tom Jobim

Garota de Ipanema / Autor: Tom Jobim / Intéprete: Sergio Mendes

Antonio Carlos Jobim, cantante, guitarrista y compositor brasileño, conocido popularmente como Tom Jobim, nació en el seno de una familia humilde ubicada en el extrarradio de Río de Janeiro. Cuando contaba con tres años de edad, sus padres se separaron y tanto él como su hermana permanecieron con su madre, que se casaría de nuevo poco después.

Abajo encontrará otros audios
sobre la música de Tom Jobim

Siendo aún pequeño su familia, se trasladó a la Playa de Ipanema, entonces todavía sin explotar turísticamente, y comenzó sus estudios de música. Con lo que más disfrutaba era tocando el piano. Sus primeros pasos musicales los da en un nuevo movimiento denominado bossa nova, una mezcla de samba, jazz y música afro-americana que se tocaba en los locales de Copacabana. Su trabajo fue tan importante que llegó a ser máximo representante de esta corriente musical.

Las Boy Bands / Fenómeno social mexicano

Eduardo Zeind Palafox

"Sólo se puede hablar de un intento genuino de solución en la medida en que se ve claramente la estructura del nudo": Ludwig Wittgenstein

Especial para La Página

Al sociólogo le tienen que interesar, ante todo, los fenómenos sociales, por más nimios que parezcan. Aunque lo anterior suene tautológico, no lo es. En México tenemos un vicio: el de la seriedad. Si no es sobre la pobreza, el hambre, el narcotráfico o la corrupción, el sociólogo mexicano no quiere hablar. Muchos de estos problemas sociales tienen su origen o su raíz justo en donde menos ponemos la mirada.

Una virtud de los científicos franceses es justo la de hablar de lo que nadie habla. Los franceses, como Baudrillard o como Barthes, se han atrevido a escribir libros sobre juguetes, lucha libre o plásticos. Los alemanes, como Simmel, han redactado ensayos sobre las asas de las tazas. Los norteamericanos han hablado arduamente sobre la vida en el bosque y sobre el comercio. Es hora de que nosotros, los sociólogos mexicanos, hablemos de un fenómeno social llamado Boy Bands.

La guitarra del maestro César Portillo de la Luz

Foto: César Portillo de la Luz
[Album Noche Cubana]

Marta Valdés

Cuba

César Portillo de la Luz cumple noventa años. Pienso en él a propósito del protagonismo que, tanto la guitarra como los demás instrumentos de cuerda pulsada que se utilizan en la interpretación de nuestra música popular. Pienso en la guitarra trovadora -como él mismo la llama en su Canción para ese día–. Me detengo en su discurso acompañante concebido para la canción que aparece aquí a manera de ilustración. [Hay un video más abajo]

La guitarra de Portillo no se caracteriza por el desglose tradicional de los acordes, los arpegios o el adorno punteado que tan profusamente penetró en nuestra rutina acompañante a partir del auge de los tríos mexicanos encabezados por Los Panchos Y hago una excepción al recordar dos muestras más que originales, legendarias ambas: los Hermanos Rigual y el Trío Taicuba. A partir de  modelos insólitos declarados por el propio autor de Contigo en la distancia en una conversación alrededor del tema: los guitarristas -respectivamente– del Quinteto de Benny Goodman, y del Trío de Nat King Cole.

Delirio / Autor: César Portillo de la Luz

Intérpretes: Los Ángeles Negros - Canta: Ismael Montes

Datos sobre la Misa Criolla, de Ariel Ramírez

La Misa Criolla es una obra musical para solistas, coro y orquesta, de naturaleza religiosa y folklórica, creada por el músico argentino Ariel Ramírez. Los textos litúrgicos fueron traducidos y adaptados por los sacerdotes Antonio Osvaldo Catena, Alejandro Mayol y Jesús Gabriel Segade. Considerada una de las obras cumbres de la música argentina. La obra fue inspirada por -y está dedicada a- dos monjas alemanas, Elisabeth y Regina Brückner, quienes durante el nazismo ayudaron con alimentos a los prisioneros de un campo de concentración.

La obra fue compuesta y grabada en 1964 y lanzada como álbum en 1965, con el destacado grupo folklórico Los Fronterizos Eduardo Madeo, Gerardo López, Julio César Isella y Juan Carlos Moreno) como solistas, Jaime Torres en charango, Domingo Cura en percusión, Raúl Barboza en acordeón, Luis Amaya en guitarra, la Cantoría de la Basílica del Socorro, dirigida por el padre J. G. Segade y una orquesta integrada por instrumentos regionales, dirigida por el propio Ariel Ramírez.

Carl Orff / Datos sobre Carmina Burana

“Carmina Burana”, del compositor alemán Carl Orff (Múnich, 1895-1982), es su trabajo más famoso, y un momento estelar de la composición sinfónica del siglo XX.

Carmina Burana se basa en la homónima Carmina Burana, una colección de cantos goliardos de los siglos XII y XIII reunidos en el manuscrito encontrado en Benediktbeuern en el siglo XIX. Escritos por monjes y juglares, la colección atrajo a Orff por lo diverso de sus versos que eran tanto humorísticos, tristes o sugestivos. Entonces, eligió unos veinte al azar y los arregló en crudas canciones para solistas y coro, acompañados por instrumentos y mágicas imágenes.

Hay 3 sonidos  

Este trabajo ejemplifica la búsqueda de Orff por un idioma que pueda revelar el elemental poder de la música, permitiendo al oyente experimentar esta expresión artística como una fuerza primitiva y abrumadora. La poesía de los Goliardos, que no solamente cantaba al amor y al vino, sino que también se burlaba de la clerecía, encajaba perfectamente en el deseo de Orff de crear una obra musical que apelara a la «musicalidad fundamental» que, como él creía, todo ser humano poseía.

Bob Marley / La pesadumbre que obsesionaba su vida

El director de cine Kevin Macdonald explica cómo construyó su nueva película sobre Bob Marley, la leyenda del reggae, desde sus problemáticos años iniciales en Jamaica hasta la adulación de estrella planetaria, que continúa incluso después de la muerte.

Tim Adams

En 2005, el director Kevin Macdonald se encontraba en Uganda durante la filmación de su película The Last King of Scotland [El último rey de Escocia]. En los barrios pobres de Kampala le llamó la atención un hecho curioso: dondequiera que iba veía imágenes de Bob Marley, la consigna “Get up, Stand up” y rastas en el pelo.

Datos sobre Roberto Carlos y sus Canciones

Roberto Carlos Braga, conocido artísticamente como Roberto Carlos, es uno de los íconos más notorios de la música popular latinoamericana del siglo XX.

Nació el 19 de abril de 1941 en Cachoeiro do Itapemirim, en el estado de Espírito Santo, en Brasil. Hijo de un relojero y una costurera, de pequeño Roberto Carlos satisfacía su pasión por la música en la radio local, donde interpretaba temas de otros artistas. En 1958 se traslada a Rio de Janeiro, donde conoce a Erasmo Carlos, un compañero de clase con el que comparte sus gustos musicales. Juntos, participan en un grupo que toca por los locales del barrio donde vivían.

Hay 3 audios

Videos con
sus canciones

Su experiencia en la radio le sirve para entrar a trabajar en un programa de la televisión de Rio, donde conoce al productor Carlos Imperial., quien le ayuda a grabar sus primeras maquetas, con resultados discretos. A pesar de ello, con tesón, Roberto Carlos fue haciéndose oír, interpretando temas de bossa-nova, boleros e incluso algún cha-cha-chá. Luego se trasladó a Sao Paulo, donde causó sensación entre los jóvenes, con ritmos más rockeros y movilizando gran cantidad de fans a su alrededor.

Datos sobre los instrumentos de percusión

A lo largo de su historia el ser humano creó tres tipos de instrumentos musicales: los aerófonos, los cordófonos y los de percusión. Todo indica que estos últimos son los más antiguos, encontrándose en todas las civilizaciones que han producido música.

Hay dos videos
muy instructivos

Básicamente un instrumento de percusión produce su sonido al ser golpeado o agitado; es decir: al ser percutido. Un instrumento de percusión puede ser usado para crear patrones de ritmos (como la batería, o el tam-tam, entre otros) o reforzar ritmos (como el timbal de la orquesta sinfónica europea), o igualmente para emitir notas musicales, para cantar (como el xilófono, o la marimba). Suele acompañar a otros instrumentos con el fin de crear y mantener el ritmo.

Datos sobre la música de India / Los raga

En la música clásica de la India, Pakistán y Bangladesh, los "raga" son esquemas melódicos de improvisación, basados en una colección dada de notas (generalmente de cinco a siete) y patrones rítmicos característicos. Rāga, en sánscrito, significa literalmente "color" o "modo, estado de ánimo" y en tamil se refiere a los modos melódicos empleados en la música clásica india. 

Más abajo 2 raga:
uno de aerófonos
y otro para cítara

En la música de la India se basa en una serie de cinco notas musicales o más, sobre las cuales se fundamenta una melodía. En la tradición musical india, los raga se interpretan según la hora del día y la estación del año. 

La música clásica india siempre se compone según un determinado raga. La música no clásica (profana) tal como las populares canciones del cine de India utilizan a veces los raga en sus composiciones. Rāgini es un término arcaico que designa la contraparte 'femenina' del raga.

Datos sobre Creedence y el folk-rock

Creedence Clearwater Revival (más conocida como Creedence) fue una banda estadounidense de rock con gran aceptación mediática y muy popular a finales de los años sesenta y comienzos de los setenta. El grupo estaba integrado por el cantante, guitarrista principal y compositor John Fogerty, el guitarrista rítmico Tom Fogerty, el bajista Stu Cook y el batería Doug Clifford. El estilo musical de Creedence acompasaba el rock and roll y el género conocido como swamp rock.

No se pierda los éxitos de Creedence

Treinta años después de la disolución del grupo, la música de Creedence Clearwater Revival se mantiene como base de la historia de la música estadounidense, y es a menudo citada o incluida en radios y medios de comunicación como influencia de otros músicos. Considerados uno de los mejores grupos de la historia. CCR fue incluido en el Salón de la Fama del Rock en 1993. Dejamos aquí tres de sus más connotados éxitos, que al día de hoy aún se escuchan, y dos videos:

Datos sobre la Ópera / La Obertura

Una obertura es la introducción instrumental de una ópera u otra obra dramática, musical o no. Algunas composiciones instrumentales independientes de los siglos XIX y XX también fueron llamadas oberturas por sus compositores, como es el caso de Obertura Las Hébridas de Felix Mendelssohn.

Las primeras óperas, que datan de principios del siglo XVII, no tenían oberturas pero sí una introducción que hacían los vocalistas en la que realizaban un resumen de la acción que se iba a desarrollar acto seguido.

Las introducciones instrumentales se comenzaron a utilizar habitualmente a mediados del siglo XVII, cuando se desarrollaron dos formas características: la obertura francesa, desarrollada por Jean Baptiste Lully, estaba compuesta de dos partes, la primera lenta y estática y la segunda rápida y con muchos detalles contrapuntísticos; y la obertura italiana, desarrollada a finales del siglo XVII por Alessandro Scarlatti, que tenía tres secciones: rápida, lenta y rápida. Éste fue el antecedente del género instrumental independiente de la sinfonía.

Datos sobre la banda musical Iron Maiden

Tenemos presente que hace 20 años murió  Freddie Mercury, y como lo hemos recordado les ofrecemos la música del grupo de música heavy metal Iron Maiden, muy popular en todo el mundo y con más de 37 años de actuaciones.

Más abajo tenemos algunos videos
sobre la banda inglesa Iron Maiden

Para los amantes de este género, que seguramente son aquellos que leerán esta nota, no es necesario contarles quien es este grupo, su música y por quien está formado, pero puesto que escribimos para todos lo contaremos para todos.

Datos sobre el legado musical de los mayas

La civilización maya tuvo su origen hace 4.000 años en Mesoamérica (península de Yucatán, en México, y lo que hoy constituye los países centroamericanos: Guatemala, Honduras, El Salvador y norte de Nicaragua). Esta civilización fue una de las más altas del continente americano, muy rica en conocimientos varios como arquitectura, agronomía, medicina y matemáticas.

Datos sobre la balalaika (+ Audios y video)

La balalaika es un instrumento musical de cuerda, de origen ruso. Su forma es triangular, casi plana, con una pequeña abertura de resonancia cerca del vértice superior de la tapa, un mástil largo y estrecho y tres cuerdas de metal o tripas que se pulsan con los dedos. La primera mención del término balalaika se remonta a un documento de Rusia del año 1688. Se cree que se desarrolló en el siglo XVIII a partir de la domra y el gusli (instrumentos similares), del Asia central y Siberia.

Las primeras balalaicas construidas en Rusia datan del año 1715, se tiene conocimiento de que antes de esa fecha ya existían (1688), tenían cuerdas de tripa de animal y se ataban al cuello de modo que pudieran ser ajustadas por el músico a voluntad.

Así suena la balalaika

Hay 3 audios

Se construye en seis tamaños, desde el más alto de los tonos, al más bajo (desde el más pequeño piccolo al contrabajo). Dos de las cuerdas de la balalaica se afinan al unísono y la tercera a una distancia de cuarta. Las tapas se construyen con madera de abeto o pino. Se construyen además con seis cuerdas prima (con tres series de cursos de doble), son comunes y populares, sobre todo en Ucrania.