El nacimiento del neorrealismo italiano – 'Roma, Città Aperta'

► Se cumplen siete décadas del estreno de “Roma, Città Aperta” (1945), la película de Roberto Rossellini que motivó el bautismo internacional del cine italiano de posguerra como neorrealismo, y que a nivel de lenguaje cinematográfico, en palabras de Jacques Rivette, “abrió una brecha por la que el cine entero debe pasar bajo pena de muerte”.

Manuel González Ayestarán   |   En plena ocupación nazi de Italia un director de cine católico (Rossellini) y un escritor comunista (Sergio Amidei) se reunieron para poner en común la voluntad de ser cronistas de su tiempo. Amidei comenzó a escribir el guión en junio de 1944 basándose en la historia real del sacerdote Luigi Morosini, el cual fue torturado y asesinado por colaborar con el Comité de Liberación Nacional. Rossellini por su parte comenzó a realizar tomas documentales de Roma cuando la ciudad aún se encontraba ocupada. Federico Fellini entraría algo más tarde a colaborar junto a Amidei en la elaboración del guión.

Juntos retrataron en el celuloide las ruinas que la historia dejaba en la capital italiana junto a aquellas personas que lo sufrieron, empleando un lenguaje cinematográfico espontáneo y liberado en el que primaban más los sentimientos y la vivencia de lo mostrado que las reglas de composición y el acabado de las escenas.

Luis Buñuel: ¿anarquista?, ¿comunista?

Luis Buñuel ✆ A.d.

Pepe Gutiérrez

Luis Buñuel es uno de los mayores cineastas de todos los tiempos, el primero de este país (de países), el más consecuente de realizadores surrealistas, amén de un personaje complejo y poco conocido. Por algunas de sus películas, Richard Porton, el autor de Cine y anarquismo. La utopía anarquista en imágenes (Gedisa, 2001), lo cita como uno de los grandes libertarios del cine, un libertario que, según Porton “es de hecho el catalizador para todas las variedades de anarquismo, y los temas estirnerianos y kropotkianos, así como los bakuninistas, son visibles en L’Age d’Or…” No es por casualidad que alguien tan penetrante como Walter Benjamin apreció en el surrealismo “un concepto radical de la libertad que había quedado adormecido al decaer la influencia de Bakunin: la liquidación, además, de un ideal de libertad esclerótico-liberal-moral-humanista”.

Más sobre Cinema Paradiso – 1988

► “Si quieres un amigo, ¡domestícame!… Hay que ser paciente. Te sentarás al principio un poco lejos de mí… Te miraré de reojo y no dirás nada. La palabra es fuente de malos entendidos. Pero, cada día, podrás sentarte un poco más cerca… Los ritos son necesarios”  – Antoine de Saint-Exupéry

Jesús Dapena Botero 

Definitivamente Cinema Paradiso es cine de verdad. Yo la pondría dentro de las diez mejores películas que he visto a lo largo de mi vida. Es cine de veras pues si tratáramos de hacer un resumen del argumento nos resultaría una frase simplona: Remembranzas de infancia y juventud de un director de cine; pues la película es una cinta que, para comprenderla hay que mirarla una y mil veces, una experiencia que nunca resultará fatigante, ya que es todo un placer verla para introducirnos en el mundo de Giancaldo, una aldea humilde, de gentes sencillas, evocadora del Anacapri de Axel Munthe en su Historia de San Michele, que hace de la película casi un documento fílmico y humano, con una extraordinaria simplicidad, que la hace casi el atributo de un genio, quien logra realizar una obra maestra, un poco, también, a la manera de la filmografía de Ermanno Olmi con su sensibilidad hacia la gente humilde, con su enorme empatía por el mundo campesino, que le permite hacer una descripción muy respetuosa de los valores de esa gente del pueblo, así la película no esté articulada por grandes peripecias y más bien sea un canto a la sobriedad, llena de lirismo, de una manera sublime, de una aldea, que ocupa en la historia, una zona transicional entre la tradición y el progreso, donde lo más avanzado es la sala de cine, con sus historias excitantes, épicas, cómicas o melodramáticas, que aúnan a toda la comunidad.

El mal del arriero | La realidad mediante una ficción de cine negro: sin aspavientos ni mentiras

Miguel Manzanera

Libre Producciones acaba de presentar el primer film de largometraje íntegramente realizado en Extremadura por un equipo extremeño. El resultado de su trabajo, El mal del arriero, es de una calidad extraordinaria, y merece ser embajador de los logros conseguidos por la cultura de nuestra Comunidad, a nivel internacional como en el Estado español. Desgraciadamente las ayudas recibidas por la heroica productora cacereña han sido las mínimas imprescindibles, y todo parece que no van a escasear los obstáculos para la difusión de esta obra de arte creada en nuestros lares.

Una de las virtudes de esta película es presentar una honda reflexión sobre los aspectos más oscuros de la naturaleza humana, siendo al mismo tiempo crítica con las estructuras sociales. Por ello está muy lejos de responder a los intereses comerciales y publicísticos de la autoridad que nos gobierna.  A pesar de ello, nuestra sociedad está empeñada en un rápido proceso de cambio, y esperamos que esa circunstancia sirva de ayuda para que el trabajo de Libre Producciones tenga la proyección que se merece.

Orson Welles, el inagotable niño prodigio

Orson Welles ✆ Gene Haas

Pedro García Cueto 

Orson Welles fue un niño prodigio. Hijo de Richard Head Welles, tesorero y secretario general de la firma familiar Badger Brass, inventor y hombre aventurero, y de Beatrice Ives Welles, hija de unos acomodados comerciantes de carbón. Fue la primera mujer en alcanzar en 1914, primero una plaza y después la presidencia de la comisión de educación del ayuntamiento de Kenosha, además de ser una notable pianista. Welles sufrió la pérdida de sus padres a temprana edad: su madre, cuando él contaba ocho años y su padre, cuando el joven Orson contaba quince.

¿Por qué fue un niño prodigio? Sin duda, porque Welles se educó junto a una madre que le llevó por la senda de la cultura, por el camino de la música y del arte. Se cuenta que a los cinco años, tras un concierto de Stravinski en Nueva York, hasta donde le llevó su tutor, el doctor Maurice Bernstein, el niño Welles disertó con inteligencia delante de un grupo de gente sobre la música escuchada. Entre el citado grupo, estaba Agnes Moorhead, la que sería luego una de las actrices de Ciudadano Kane y de El cuarto mandamiento, mucho tiempo después.

Dice Javier Marías en el número especial que dedicó al gran director la revista Nickelodeon en otoño de 1999 lo siguiente: “Welles mereció haber nacido en el siglo XVIII, cuando todavía se trataba a los niños como adultos, y sus diversas cortas edades se veían tan sólo como fases transitorias que convenía abreviar al máximo y aprovechar para el adiestramiento; como un largo periodo de limitaciones fastidiosas por el que no quedaba más remedio que pasar”.

Pier Paolo Pasolini: La pasión según Marx

Santiago Asorey

El escritor Pablo Ramos escribió en un ensayo: “Creo en algo y muchas veces vivo de manera contraria a lo que creo. Sufro por eso. Culpa, vergüenza, y, a veces, la soledad y el juicio de los otros. Sin embargo soy tan cristiano que me expongo, una y otra vez. Porque La Cruz es, a mi entender, la puerta de la misericordia.” 

A los pocos días de leer esta frase vi “La Ricotta”, el cortometraje de Pier Paolo Pasolini y se me ocurrió algo sobre el artista cristiano en su dimensión espiritual. Aquella culpa de la que habla Ramos y que también está presente en los cuentos del escritor norteamericano Raymond Carver, puede ser también un motor narrativo potentísimo. No es solo la culpa lo que arrastra a narrar muchas veces. Sino la necesidad del perdón y la necesidad de buscar la redención en la exposición del espíritu desnudo.

Creo que en Pasolini esta idea era muy fuerte. “La Ricotta” es la muestra de que Pasolini como artista cristiano está en la búsqueda de la redención y que esa redención se adquiere en la exposición del artista. La crítica que el cortometraje ejerce al sistema de representación de la industria cinematográfica, es también una corrección espiritual. Como si la tarea del artista que esta dispuesto a entregar su

La nueva película de Lars von Trier | Nymph()maniac: del sexo y otros demonios

Octavio Fraga Guerra  |  Con un estilo que evoca influencias que van desde la Nueva Ola Francesa (Goddard, Truffaut) hasta sus primeros filmes del Dogme 95, Lars von Trier ha creado una magistral y cáustica pieza de arte pornográfico. Nymph()maniac: Volúmenes I y II (2013) es un ingenioso ensayo crítico sobre la sexualidad vista desde la óptica de una ninfómana; es también un caleidoscopio de soft porn donde el espectador participa de un acto de voyerismo, y en el que sus “tres niveles de conciencia” se funden en un continuo menage a trois de hipótesis, juicios morales y excitación.

La nueva película de Lars von Trier simplemente no podría encajar en el ambiente actual en el que la separación entre iglesia y estado, y las conquistas sociales resultado del ímpetu de la liberación sexual iniciada el siglo pasado (el aborto, el matrimonio gay, etc.) están bajo constante peligro de ser revertidos por una agobiante presión conservadora. A principios del siglo XX, Alexandra Kollontai —destacada revolucionaria bolchevique— escribía

Novecento: La lucha de clases en el cine

Miguel A. Montes  |  Estas navidades vamos a estar sometidos al bombardeo mediático-consumista, compra-gasta, compra-gasta, de forma compulsiva, además de poder “admirar” el paisaje fílmico-bíblico habitual con horteradas navideñas que como un monstruo prefabricado sobre nuestras cabezas nos narcotiza y oculta las “navidades” reales de los otros, los parados, los desahuciados, los que mueren de hambre por alimentos caducados, y las leyes profascistas de “seguridad ciudadana” que buscan aplacar la ira popular ante tantas injusticia causadas por la crisis del capitalismo, sistema caduco y sin futuro, que no cae si no lo hacemos caer. Ya no hay que mirar a otros países, los tenemos aquí en nuestra propia casa y en nuestras propias familias.

Pasarlo con nuestros seres queridos, mostrar sentimientos, alegrías, amistad y amor, no significa caer en las horteradas, ni ser indiferente y acrítico con lo que nos rodea, la vida mejor es y será la que construyamos nosotros mismos aquí en la tierra y lejos del cielo, no

A 20 años de la muerte de Federico Fellini | 20 años sin el circo de las mentiras sinceras

Manuel González Ayestarán  |  Este calificativo describe un lenguaje audiovisual donde la función narrativa se hace a un lado en pro de la función poética, una poesía cinematográfica cargada de fantasía, sátira y humor, mediante la cual el autor representa diferentes visiones de sí mismo y de la sociedad italiana de la que formó parte a través la óptica caricaturesca que desarrolló en su juventud, mezclada con pinceladas de estética y tono circenses.

En su cine tiene lugar una representación del ser humano en la que éste es objeto tanto de burla como de compasión, un espectáculo del absurdo inspirado en el show de clowns y freaks propios del mundo del circo. Todo esto evocado

‘Tabú’ | La última joya secreta del cine europeo

José Ramón Otero Roko  |  Los aficionados al cine llaman “cofres” a los cuidados formatos especiales – libres de plástico – con los que a veces las editoras regalan la vista a los cinéfilos. La editorial barcelonesa Intermedio DVD, famosa por hacer atesorar a sus seguidores algunos de esos arcones repletos de joyas modernas del cine (desde Jean-Luc Godard a Lisandro Alonso, pasando por Jonas Mekas) acaba de editar otro más en tiempos de acceso universal a la cultura a través de internet, pero también en tiempos de acumular con nosotros las evidencias de un presente y un futuro del cine genuino. La alhaja, más bonita, más preciosa, más valiosa si se quiere, y no muy cara, está dedicada al director portugués Miguel Gomes, que los enamorados de las imágenes en movimiento recordarán por Aquel Querido Mes de Agosto (2008) y por éste Tabú (2012) que triunfó en la Berlinale y que en España ha podido estrenarse hace muy pocos meses tras obtener el Premio del Público en el Festival de Cine de Las Palmas. Un cofre, lo repetimos, que reúne ese último largometraje con la casi integral de sus cortos, en un arca de la alianza

Retrato de mujer | La influencia de Heidegger en la vida de Hannah Arendt

Rosalba Ozandabarat  |  Esta película se centra en la vida de Hannah Arendt durante los primeros años sesenta, cuando asistió como enviada por The New Yorker al juicio realizado en Jerusalén al criminal de guerra Adolf Eichmann -secuestrado por los servicios secretos israelíes en Argentina-, publicando al respecto una serie de reportajes en la revista y luego un libro, asentando su idea -hoy archicitada- sobre la "banalidad del mal". Como retrata el film, las conclusiones de Arendt despertaron una violenta polvareda de reacciones adversas especialmente entre miembros de la comunidad judía, estadounidenses e israelíes, incluso entre algunos de sus amigos y colegas más próximos, mucho más por las menciones al papel jugado por los Consejos Judíos en los

Star Wars o la venganza del capital

Slavoj Žižek  |  Cuando la tercera entrega de la serie La guerra de las galaxias por fin nos muestre el momento crucial de toda la saga, la conversión del “buen” Ken Anakin en el “malo” Darth Vader, apelará a un paralelo entre lo individual y lo político.

En el nivel individual, la “explicación” alude al budismo pop: “Se convierte en Darth Vader porque se apega a las cosas. No puede desprenderse de su madre; no puede desprenderse de su novia. No puede desprenderse de las cosas. Es nos hace codiciosos. Y cuando uno es codicioso, va camino del lado oscuro, porque tiene miedo de perder cosas” (Palabras de George Lucas citadas en Time,

Søren Kierkegaard, Paolo Sorrentino e il cinema scandinavo

Giancarlo Chiariglione |  Poche correnti di pensiero come l’Esistenzialismo sono state capaci di influenzare in modo così profondo e originale l’immaginario cinematografico. A riprova di questo produttivo rapporto, se molti critici continuano a citare la celebre prefazione del libro di Stanley Cavell The World Viewed: Reflections on the Ontology of Film (1979), in cui l’autore, ispirandosi a I giorni del cielo (Days of Heaven, 1978) e più in generale alla produzione di Terrence Malick, ha legato il pensiero di Martin Heidegger alla settima arte (la radiosità formale del film del regista statunitense è stata infatti avvicinata alla riflessione del filosofo tedesco sulla relazione tra Essere ed esseri, sul radioso mostrarsi delle cose in una luminosa apparenza), non si contano letteralmente gli studiosi che, da sempre, ricordano come Søren Kierkegaard (1813 – 1855) abbia fornito spunti di riflessione e tematiche al cinema scandinavo (e non solo). Nel filosofo, teologo e scrittore di Copenaghen noto per i suoi improbabili pseudonimi (ad esempio Victor Eremita, Johannes de Silentio, Vigilius Haufniensis, Nicolaus Notabene, Hilarius il Rilegatore), il

El Che en el lente de Steven Soderbergh

Ernesto Joaniquina Hidalgo  |  En la reciente producción cinematográfica del director estadounidense Steven Soderbergh “Guerrilla” la ejecución a quemarropa del Che es trabajada con la habilidad de la cámara subjetiva cuando se abre con ímpetu resuelto la desvencijada puerta de aquel tugurio de adobe de La Higuera y un aura casi imperceptible de partículas de tierra seca se filtran en su interior, aquella señal tenía un presagio insólito a traición y pavura. Surge al ras del dintel una sombra medrosa con aliento alcoholizado, con trémulos pasos y cara desencajada de espanto, ingresa al recinto, lleva un fusil automático en las manos y se acerca al prisionero que yacía maniatado percibiendo su sentencia o quizá abstraído en sus pensamientos, vaya uno a saber tal vez dedicando sus últimos recuerdos al pueblo cubano y a Fidel como le anunciara en aquella carta de despedida si llegara su hora definitiva bajo otros cielos.

Soderbergh es un director reconocido en el mundo del séptimo arte y premiado por sus cintas Traffic y ErinBrokovich por los críticos de Hollywood, reconocimientos que le dieron el aval para crear toda una expectativa internacional desde el momento en que se rodó su proyecto cinematográfico “El

La Vanidad | El deseo de reconocimiento se transforma en algo obsesivo y sin límites

Luis Roca Jusmet  |  La película, en su conjunto, no me gustó. Me parece efectista y poco consistente, se va por las ramas y no se centra en la cuestión central, que es la que quiero comentar aquí. Se trata de lo que se presenta como el pecado capital de los humanos: La Vanidad. Esto no quiere decir que el film no tenga elementos muy buenos, como las interpretaciones de Keanu Reeves, Charlize Theron. Algunas escenas, además, tienen mucha fuerza.

El tema del pacto con el diablo, como metáfora de renunciar a todo principio a cambio de la satisfacción de una pasión, es interesante. La pasión es la vanidad, que se plantea como la más devastadora de las pasiones humanas. Vanidad que identifica con narcisismo.  Richard Sennett lleva mucho tiempo planteando que vivimos en una sociedad cada vez más narcisista. Pero él se refiere a que estamos muy pendientes de nuestra imagen y de nuestras emociones. Es algo relacionado pero no es lo mismo.

>> Pactar con el diablo

El efecto mariposa | La ilusión humana es que podemos cambiar un hecho sin cambiar el conjunto

• "El aleteo de las alas de una mariposa se puede sentir al otro lado del mundo" | Proverbio chino

Luis Roca Jusmet  [Especial para La Página]  |  En una noche veraniega, para complacer a mi hijo y sin demasiado interés veo con él la película ‘El efecto mariposa’. La película no me gustó pero he de reconocer que plantea cuestiones interesantes. No me gustó porque es terriblemente efectista. Busca, con poca sutileza, estimular al espectador a través de lo exagerado y lo morboso. Además todo resulta terriblemente confuso por lo anterior y por la superficialidad del guión. Todo ello no quita que la película pueda verse para pasar un rato entretenido sin que la sensibilidad de un buen espectador se vea muy afectada.

Las cuestiones interesantes que plantea para mí la película son dos.

La primera: ¿Podemos cambiar nuestras decisiones? Dicho de otra manera: nuestras decisiones están determinadas o indeterminadas. ¿Hacemos una cosa como podríamos haber hecho otra?  Mi respuesta es que no. hay autodterminación

La valentía es Hannah Arendt

Maite Larrauri  |  La película de Margarethe von Trotta sobre Hannah Arendt no sólo se ajusta totalmente a los hechos sino, lo que es mucho más difícil, a las ideas. Ha sabido filmar la emoción con la que una verdad se presenta al pensamiento, y nos ha sabido hacer partícipes de la valentía que se requiere para sostenerla. Se podría decir que es una película arendtiana sobre Hannah Arendt.

En el centro mismo de la película se encuentra una de las preguntas filosóficas sobre las que Arendt se interrogó a lo largo de su vida. No es otra que la misma que preocupó a su maestro –también amante- Heidegger: “¿Qué significa pensar?”. La primera respuesta la formuló Heidegger: pensar es ir a lo más profundo, y para ello hay que separarse de los demás, aislarse. Arendt se inspiró en la respuesta del maestro y la redondeó: pensar es entrar en diálogo con uno mismo, desdoblarse en dos, es un dos-en-uno, entre uno mismo y su conciencia, y por ello la retirada del mundo es esencial; no se puede pensar en medio de los demás y si lo hacemos, producimos la sensación de estar ajenos a lo que pasa, entre el ensimismamiento y la distracción.

Hannah Arendt y la banalidad del mal

Especial para La Página

Luis Roca Jusmet  |  Fuí a ver la película "Hannah Arendt", que me pareció un buen film. Una historia interesante bien estructurada con un guión inteligente, una buena dirección de Margarethe Von Trotta. La música también acompaña perfectamente la trama narrativa y la interpretación es muy ajustada. He de reconocer que la filósofa siempre me ha llamado la atención, pero nunca he entrado en una lectura seria de su obra, más allá de artículos y de fragmentos.

La película está centrada en la época biográfica en que su libro sobre Eichmann, el dirigente nazi que fue arrestado por el servicio secreto israelí y trasladado a Israel para ser juzgado allí. Hannah Arendt se traslada a Jerusalén y asiste al juicio. 

>> Vea el 'trailer' de la película

Vittorio de Sica, pionero del cine en la calle y del neorrealismo

Foto: Vittorio de Sica

Cuentan que un día de 1945, cuando los nazis acababan de dejar la capital italiana, Vittorio de Sica iba en bicicleta por Roma y se topó con Rossellini, tumbado en la escalinata de la plaza de España. “¿Hola Roberto, ¿Qué tal? ¿Qué estás haciendo?”, le saluda. “Voy a rodar una película sobre la ocupación, con Anna y un cómico nuevo, un tal Fabrizi, en el papel de cura. A ver qué sale. ¿Y tú?”, se interesa. “Yo nada, tengo la idea de hacer algo sobre los sciuscià, ¿sabes?, esos niños que limpian los zapatos en la calle”, confiesa. “En aquel instante, nació el neorrealismo”, sella Emi de Sica, hija mayor del director: Rossellini realizó ‘Roma ciudad abierta’ y su padre ‘El limpiabotas’, tierna y dolida epopeya que trajo a Italia el primer Oscar, en 1946.

De Sica (1901-1974) no fue solo el pionero del cine hecho en la calle: antes fue un cantante de fama, talentoso intérprete de teatro y, luego, actor y maestro de la comedia a la italiana, descubridor de actores como Sophia Loren o Alberto Sordi; marido y padre de dos familias distintas, censurado y excomulgado por la Iglesia, escándalo en la Italia conservadora que despertaba de la guerra. De Sica fue, ninguno y cien mil, por citar el título de una obra esencial de Pirandello. Todos sus rostros se desvelan al visitante de la exposición ‘Tutti de Sica’, en el Ara Pacis de Roma.

Yoshiko Yamaguchi o Li Xiang Lan / ‘La Orquídea de Manchuria’

Juan Forn

Según el dicho, las mujeres más hermosas de la China venían de Shanghai. Pero las mujeres más hermosas de Shanghai, en la intimidad, confesaban que las verdaderas bellezas chinas eran todas de Munkden. Munkden era la capital de Manchuria, ese territorio indomable entre Rusia y Mongolia donde supo estar la capital del imperio chino hasta que la mudaron al sur, a Pekín, y comenzó la decadencia. 

Al final: 2 videos de
Xiang Lan o...

En 1931, Japón había invadido Manchuria con la idea loca de quedarse con toda China y crear un imperio panasiático. Parte decisiva de ese plan era la propaganda, y herramienta básica de esa propaganda era el cine. La orden del día era hacer películas que fascinaran a los japoneses con China y fascinaran a los chinos con el invasor, y proyectarlas hasta el cansancio en los cines de uno y otro lado.